OSCARS 2024

Intentaré, como los dos años anteriores,
ver todas las cintas nominadas a la MEJOR PELÍCULA
en la entrega de Oscars de este año 2024.
Y, aquí, les pondré mi opinión de cada una de ellas.

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Gracias por la difusión en esta 3 ª edición:

CANARIAS

RESTO DE ESPAÑA

LATINOAMÉRICA

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(Pulsa en el cartel para ir a la crítica)

American fiction

Director: Cord Jefferson
Guion: Cord Jefferson
Intérpretes: Jeffrey Wright, Tracee Ellis Ross, John Ortiz

Sinopsis:
Jeffrey Wright interpreta a Monk, un novelista frustrado que está harto de que el posicionamiento social sobre el racismo les permita ser aceptados mientras se mantengan dentro de su inferior estado natural. Para demostrar su punto, Monk utiliza un seudónimo para escribir su propio y extravagante libro «Negro», que lo impulsa al corazón de la hipocresía y la locura que dice desdeñar.

MI CRÍTICA:

            Una de las mejores películas que he visto desde hace tiempo. Me entretuvo, eso seguro, pero me tenía con ganas de saber más. Yo, que siempre voy un poco por delante del guion, reconozco que, en esta historia, los avances y los giros me causaban sorpresas inesperadas. Eso le dota de un ritmo narrativo que hace que se te pase el metraje en un santiamén.

            Creo que el valor del guion radica en dos hechos. El primero es que está basada en una historia un poco absurda que es llevada a la más pura realidad. Este tipo de historias me suelen encantar. Que un escritor se decida a escribir una historia en el estilo del tipo de literatura que él mismo aborrece, para criticar el sistema social imperante, me parece brillante y absurdo sin llegar al excentricismo. Y me llega más profunda, ahora que he decidido dar un giro a mi carrera y dar prioridad a mi “yo” escritor que al director de cine.

            Además, a mis alumnos siempre les explico que todos los artistas tenemos que llegar a un punto en el camino en el que tenemos que decidir si tomar el camino de hacer lo que nosotros queremos hacer, o hacer lo que el público nos pide que hagamos. A veces es difícil la elección. En mi caso lo tuve fácil al encontrar un camino que combina las dos cosas. Soy un artista comercial, trabajo para el público, pero solo en proyectos que a mí me apetezcan. No es el caso del protagonista de esta película. Él es más “asocial” que yo y se atormenta de ver que el movimiento antirracista en Estados Unidos no es sino una forma de racismo encubierto.

            La segunda cosa que más me encantó del guion, quizás lo más, es el uso de las tramas secundarias. Un ejercicio de malabarismo como pocas veces he visto usar con tanta maestría. Ya les he hablado de la trama principal con el racismo en la literatura, pero la trama de la problemática de las familias que se enfrentan por primera vez al alzhéimer de uno de sus miembros, la salida del armario de alguno a una edad tardía, las relaciones amorosas de personas que no creen en el amor, las luchas de clases en los países que se creen igualitarios; le dotan a la película de un contenido social que te mantiene expectante. Cómo estas tramas, que parecen tan dispersas, se entremezclan en la trama principal y, sobre todo, en las acciones y reacciones del protagonista, me parece que hacen que sea una de mis películas del año. De verdad me pregunto si, eliminando alguna de estas tramas, la trama principal seguiría siendo la misma. Y la respuesta es: sí. Por eso me maravilla, creo que el director ha montado una historia collage de varias historias que tendrían para hacer una película con cada una de ellas. Y todo bien medido y mezclado. Cocinado en su punto.

            Las interpretaciones geniales, todas. Jeffrey Wright nominado al mejor actor y Sterling K. Brown al Mejor Actor Secundario están sobresalientes. Es más, han sabido llevar esta película de personajes al límite y a ese limbo entre lo irónico y lo real de una forma natural. La competencia es grande en esos dos Oscars, no creo que ganen, pero sí me parece que estar en el bombo es bastante merecido.

            Lo dicho, una película que hay que ver. Cine en mayúsculas con un humor ácido e inteligente que me seduce. Se echan de menos historias así, que entretengan y que nos enseñen de la vida.

NOTA: Muy entretenida y he aprendido cosas sobre la vida… le pongo un 9.

5 NOMINACIONES:
Mejor Película
Mejor Guion Adaptado (Cord Jefferson)
Mejor Actor (Jeffrey Wright)
Mejor Actor Secundario (Sterling K. Brown)
Mejor Banda Sonora Original (Laura Karpman)

Anatomía de una caída

Directora: Justine Triet
Guion: Justine Triet y Arthur Harari
Intérpretes: Sandra Hüller, Swann Arlaud y Milo Machado-Graner

Sinopsis:
Una mujer es sospechosa del asesinato de su marido, que mantiene que fue él el que se suicidó. El hijo ciego de ambos se enfrenta a un dilema moral como único testigo.

MI CRÍTICA:

            Pocas películas me suelen gustar cuando adolecen de tramas secundarias. En esta película las hay, pero están tan pegadas a la trama principal y al juicio que desencadena la muerte del padre de la familia, que parece que fueran la misma. Esta no me terminó de encantar y a ratos se me hizo un pelín pesada, pero las ganas de ver como acababa me mantuvieron expectante.

            En realidad, esta historia cuenta lo que cotidianamente se da en nuestros informativos. Juicios y más juicios inundan nuestras cadenas de noticias. Aquí lo que haremos será profundizar bastante en el desarrollo de esas informaciones que vemos a diario, centrándonos en un caso en concreto. El detonante de la trama está claro: el padre ha muerto y hay que dilucidar en el juicio si fue un suicidio o fue la esposa la que lo mató. Y ahí se empiezan a desarrollar las acciones, implementando un punto de giro de vez en cuando para que no se haga tediosa. En ese aspecto la reconozco hábil. Lo dicho, me suelo aburrir mucho con las películas monotrámicas, pero esta, cuando empezaba a languidecer, aparecía un giro nuevo que le remontaba de nuevo. En su contra diré que algunos de estos giros fueron un poco forzados.

            Ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Ahí es nada. No puedo opinar por no haber visto las demás, pero me parece un premio demasiado grande para una película que no va a pasar a la historia de nada. Te entretiene, a ratos te emociona de impotencia. Y, como única expectación, te intriga hasta el final. Poco bagaje para competir para un Óscar.

            Lo que más me ha gustado de la película son las interpretaciones de los actores principales, la sospechosa de asesinato (encarnado por una sublime Sandra Hüller) y el hijo, testigo de los hechos (el joven Milo Machado-Graner). Ella, nominada al Óscar, compite en una candidatura muy fuerte que no creo que se lleve por encima de Emma Stone o Carey Mulligan. Pero la forma en que nos hace creíbles los pequeños matices es impresionante. Siempre he dicho que es más difícil interpretar sutilezas que estridencias. En esta película, nos sabe poner perfectamente, en cada momento, en el estado psicológico en el que se encuentra. Y son muchos y variados. El chico, para su edad, deja claro que es un candidato a una larga carrera.

            Para finalizar, poco más. Esta película te va a gustar o te va aburrir mucho. Si te gustan los chismes y las noticias de juicios te divertirás. Las escenas con la jueza y los abogados tienen momentos de diálogos impresionantes. Es más, me gusta que en ningún plano se ve al jurado. ¿Por qué? Quiero entender que la directora nos dice que el jurado somos nosotros mismos. Ahora te digo, si crees que vas a ver una película de acción y asesinatos. Te vas a aburrir, pero bien.


NOTA: Bien trenzada y con giros hábilmente colocados… le pongo un 6.

5 NOMINACIONES:
Mejor Película
Mejor Directora (Justine Triet)
Mejor Guion Original (Justine Triet y Arthur Harari)
Mejor Actriz (Sandra Hüller)
Mejor Montaje (Laurent Sénéchal)

Barbie

Directora: Greta Gerwig
Guion: Greta Gerwig y Noah Baumbach
Intérpretes: Margot Robbie, Ryan Gosling e Issa Rae

Sinopsis:
             Barbie sufre una crisis que la lleva a cuestionarse su mundo y su existencia. Cuando accede al mundo real, se da cuenta de que su vida no es lo que siempre ha creído. El acceso de Ken a esa realidad le hará darse cuenta de que los hombres también pueden ser el centro del universo. Ahí, empiezan los conflictos sobre los géneros de cada uno y su poder.

MI CRÍTICA:
            Si va a leer esta opinión para saber si tiene que ir a verla o no, no le va a servir de nada; porque mi vaticinio es que la va a amar mucho o la va a odiar a muerte. No hay término medio. Y creo que ese es uno de los puntos fuertes de esta película, que no te va a dejar indiferente. Empecé la proyección diciendo que me iba a encantar después de ver el genial homenaje a la película “2001: Una odisea del Espacio” (1968) de mi adorado Stanley Kubrick con el que empieza, pero, al final, no me terminó de encantar. Tiene ratos entretenidos, pero otros soporíferos y sales de la sala con la sensación de que le sobran muchas cosas. Eso sí, generará debates entre las personas con las que vayas a verla. Y esa es una de las funciones del cine, levantar conciencias. Esta película es ideal para eso.

            El problema más grave que tiene es que el guion está tan deslavazado que cada uno que la ve entiende una cosa diferente. No puede ser que, viendo las mismas imágenes, unos digan que es una película feminazi y otros que es machista. A mí me gusto el mensaje, el que yo entendí, claro. El Mundo barbie en un mundo matriarcal los kens solo son floreros para uso y disfrute de las barbies. Hasta que llegan al mundo real y los chicos se dan cuenta de que ellos deberían gobernar y vuelven a tomar el mando y crear un mundo machista. Creo que la directora Greta Gerwig quiso hacer una película y enfrentar el matriarcado contra el patriarcado y dejarlo en un empate. Según entendí yo, el mensaje final es que no es bueno ni lo uno ni lo otro y toda la película es un canto al igualismo de género. Lector, si usted no entiende eso al verla, le comprendo.

            Me encantó la dirección de producción, bien recreado el mundo Barbie. Las interpretaciones salvan la película y el mal guión. Visualmente, es diferente a cualquier película que hayamos visto y eso, como los fuegos artificiales o los espectáculos de drones, siempre gusta. Me alegra también que la fábrica de las Barbies, Mattel, sea capaz de ridiculizar a su mayor creación y la muñeca más famosa de la historia. Los tiempos cambian y ellos tienen que modernizarse. Implantaron unos cánones a las niñas que obsesionaron a muchas generaciones y, hoy en día, todo es más relativo en cuanto a los aspectos físicos de las personas. Hoy no hay que ser un rubio ario para triunfar en la vida.

            “Barbie” puede ser la gran perdedora de la noche de los Oscars si no lo salvan los decorados y el vestuario. Bueno, eso sí, “I’m just Ken”, interpretada por Ryan Gosling le veo muchas posibilidades. No digan por ahí que yo les recomendé la película que a mí, me entretuvo, pero solo a ratos.

NOTA: NI FRIO NI CALIENTE… le pongo un 5

8 NOMINACIONES:
Mejor Película
Mejor Guion Adpatado (Greta Gerwig y Noah Baumbach)
Mejor Actor Secundario (Ryan Gosling)
Mejor Actriz Secundaria (America Ferrera)
Mejor Diseño de Producción (Sarah Greenwood y Katie Spencer)
Mejor Vestuario (Jacqueline Durran)
Mejor Canción Original (Mark Ronson y Andrew Wyatt) por «I’m just Kent«
Mejor Canción (Billie Eilish y Finneas O’Connell) por «What Was I Made For?«

La zona de interés

Director: Jonathan Glazer
Guion: Martin Amis y Jonathan Glazer
Intérpretes: Sandra Hüller, Christian Friedel y Freya Kreutzkam

Sinopsis:
El comandante de Auschwitz, Rudolf Höss, y su esposa Hedwig, se esfuerzan por construir una vida de ensueño para su familia en una casa y un jardín junto al campo mientras intenta construir un crematorio más eficiente y productivo para aniquilar a los presos judíos.

MI CRÍTICA:

            Película que ganó el Gran Premio de Jurado en el Festival de Cannes. Y que quieren que les diga, tiene valores, pero también tiene carencias; como casi todos los proyectos que hacemos. El posicionamiento inicial de la historia es lo que más me ha gustado. Presentar el horror de la guerra y de la maquinaria Nazi para conquistar terrenos en base al terror infligido a los que se le oponían y haciéndolo desde el punto de vista de la banalidad de una vida familiar, me pareció muy brillante. No nos muestra el espanto de lo que sucedió en los campos de concentración, eso ya lo sabemos hasta la saciedad. Dejar que sea nuestra imaginación la que ponga la crueldad de lo sucedido es lo mejor, quizás de las pocas cosas valorables de esta película.

            La historia del holocausto está contada desde el interior de una casa, de vida familiar del comandante del campo de concentración de Auschwitz. Y los protagonistas de las acciones son su mujer, sus hijos, su servidumbre, etc. Como ven, es una cruel película de guerra en la que lo menos que vemos son soldados. No me negarán que es un planteamiento, por lo menos, novedoso. El ritmo lento, más lento que el de una cinta normal, refuerza la idea principal de lo tediosos que era la existencia en una casa familiar en la que las actividades más emocionantes del día era cuidar el jardín. Esa ausencia de motivaciones y lo lánguido de esas vidas se refuerza con la parsimonia, rozando la pesadez, de los planos y los pausados movimientos de los personajes. Aun así, he de decir que la película no se me hizo larga. Bueno, es de agradecer que el metraje no se extendió al uso y costumbre del cine actual, quizás porque la historia no daba para más.

            Esa es quizás la gran carencia de este film. La idea es muy buena, para mí, genial; pero se queda ahí. Estas todo el tiempo esperando a que pase algo y nunca pasa nada. Estamos ante una narración en la que veremos una concatenación de acciones intrascendentes, como las miles que hacemos nosotros a lo largo del día. Realmente era como en sus propias vidas, nunca pasaba nada. Eso hace que las reuniones sobre crear un nuevo crematorio en el que poder aniquilar a más presos judíos, produzcan un horror que nos ponen en la mente de esos asesinos que estaban convencidos de que, lo importante no era las vidas de la gente, si no la forma en que, con sus muertes, ellos subirían en el escalafón de mando. Eso reproduce esa sensación que tenemos hoy en día de que nada de lo que se hizo en la Alemania Nazi, tuvo sentido moral.

            Además, la inclusión de cosas excéntricamente originales fue, seguramente, lo que cautivo a los jurados que la han nominado. Pero que empiece la película con 3 minutos de un fondo negro con una música me parece un snobismo que la aleja del gran público. Casi todos mis amigos que la han visto les ha parecido soporífera. Y claro, ellos no son críticos de cine, son espectadores y, la película, si no vas buscando detalles y te centras en la historia, aburrir… aburre.

            Creo que la secuencia final, en el museo, resume con brillantez todo lo que quiere contar en este guión. Con el tiempo, en la actualidad, solo nos queda recordar el horror y el sinsentido de lo que fueron los campos de concentración y con esta película queda claro que no lo hicieron locos demenciados, lo hicieron gente normal como usted o como yo; con sus familias y sus vidas cotidianas.

            Otra cosa que destaco es la fotografía. Quizás debería haber estado nominada. No hay grandes recursos que no hayan sido panorámicas y travellings. Como cuando rodamos nuestros cortometrajes. Y, cuando los planos son en el interior de la casa del matrimonio, los picados y contrapicados nos hacen rememorar una visión “voyeurística”, vamos, como si fueran las cámaras de Gran Hermano vigilando todos los movimientos de los habitantes de la casa. Todo con una sensación de vida cotidiana sin alicientes.

            Otra sorpresa agradable fue ver a la esposa del protagonista, interpretada por Sandra Hüller. No la conocía y he tenido que ver dos películas suyas en menos de una semana. Le voy a seguir la pista. En las dos ha estado sobresaliente. No olviden que está nominada al Óscar, este año, por su papel de la sospechosa del asesinato de su marido en “Anatomía de una caída”. En cuanto a Glazer, el director, diré que me encantó el planteamiento disruptivo, pero tiene que adaptarse un poco más a lo que el público entiende y las excentricidades se pagan. Por ejemplo, no entendí la secuencia final.

            Tampoco veo justificada la nominación al Mejor Guion Adaptado. Esta historia está construida a partir de la novela homónima de Martin Amis. En ella se recoge el amor sentido por un oficial nazi por la esposa de su comandante; cosa que no aparece aquí, por ningún lado. Así que, tramposamente, lo que hizo Glazer es tomarle prestada la idea y tergiversarla a su gusto. Y eso, no es de Óscar, amigos.

            Por cierto, como está nominada a la Mejor Película Internacional, compite con la nuestra de J.A. Bayona “La sociedad de la nieve” y no puedo opinar, porque todavía no la he podido ver. Ya me vale.

NOTA: Tediosa, como la vida de los personajes, pero inquietante… le pongo un 7

5 NOMINACIONES:
Mejor Película
Mejor Película Internacional (representando al Reino Unido)
Mejor Director (Jonathan Glazer)
Mejor Guion Adaptado (Jonathan Glazer)
Mejor Sonido (Tarn Willers y Johnnie Burn)

Los asesinos de la luna

Director: Martin Scorsese
Guion: Eric Roth, Martin Scorsese y David Grann
Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Robert De Niro y Lily Gladstone

Sinopsis:
En la década de 1920 en los Estados Unidos, miembros de la tribu Osage son asesinados bajo misteriosas circunstancias, provocando una importante investigación del FBI involucrando a J. Edgar Hoover.

MI CRÍTICA:

            No es la mejor película de Scorsese, pero sí la más larga. Cerca de las 4 horas de película es la nota más significante que todo el mundo comenta cuando habla de ella. Y si esto es lo más destacable, mal vamos. Aun así, la cinta tiene muchos valores. Está basada en el libro homónimo de David Grann, influenciado por la investigación de Linda Hoogan en su libro “Mean Spirit” que optó al premio Pulitzer en 1991. Ya solo esto era premonitorio de una historia atractiva.

            Lo primero que me extraño al ver la película es que no estuviera nominada al Mejor Guion Adaptado, porque creo que es uno de los fuertes de esta película. Pero al enterarme como se gestó el trabajo, parado por la pandemia, lo entendí. Realmente esta era una historia de una tribu que estaba siendo asesinada bajo el desamparo de las autoridades y de como surgió la creación del FBI (la famosa policía norteamericana). Leonardo DiCaprio sería el funcionario encargado de la investigación. Varias reescrituras del guión acabaron por generar una historia nueva. En la que vemos, observarán que la trama de la policía investigando es prácticamente irrelevante, cuando era una de las tramas principales del libro de Grann.

            Este cambio afectó al resto de toda la historia y Leonardo pasó a ser el sobrino compinchado con los planes de poder de su tio. Creo que tanta reescritura y tanto cambio, terminó por desfigurar muchos aspectos. Les diré que esta película se podría haber hecho desde dos puntos de vista. Desde el trágico de la Nación Osange, viendo como masacraban a sus súbditos con unos asesinos de elementos secundarios para dar ritmo; o la elegida por Scorsese: la de alzar al protagonismo a los asesinos y los indios sean la excusa para hacer una película de intrigas familiares por el control del poder del dinero. Visto lo que me aburrí con esta película (bueno, a ratos, no) creo que me hubiera quedado con la opción número uno.

            Cinematográficamente hablando, es impecable. Scorsese es un maestro con la elección de planos. Y del manejo de los actores, excelente. Todos están brillantes. Quiero empezar por una de las grandes candidatas al Óscar: Lily Gladstone. Eclipsar a DiCaprio y a De Niro no está a la altura de muchas. Y lo hace. Trasmitir, casi inexpresivamente, las distintas emociones por las que pasa su personaje es de clase de interpretación y que los jóvenes actores lo vean muchas veces en bucle. [SPOILER] En una conversación con su esposo, trasmitir el odio de saber que te está traicionando y el inmenso amor que todavía le tiene, le puede valer ese Óscar que aplaudiré con ganas. [/SPOILER] Me gusta Leonardo, transmite inseguridad y seguridad a su antojo en los momentos adecuados. No es su mejor papel, pero no decepciona. Sí me congratula Robert De Niro, con aquel que era. Su papel también es agradecido en matices. Pasar de la falsa ternura a la ira, lo hace como nadie. Siempre diré que los buenos actores ríen como De Niro y se enfadan como De Niro.

            Resumo en que, pese a que me parece un buen guion con las consabidas dosis de motivaciones personales contrapuestas, avaricia, poder, víctimas inocentes, traiciones y con giros dramáticos en los sitios adecuados. La pena es lo que le sobra. Algunas cuantas elipsis, los diálogos más fluidos (que, a veces, se me hacían eternos) y un poco más de tensión en la tribu Osange, le hubieran dotado de algún atractivo más a esta película. Para mí no parte como favorita para el Óscar, pero tampoco partía como favorita cuando se lo dieron a la peli de Scorsese “Infiltrados” en lo que me pareció un robo a “Babel” (2006), la película de Alejandro G. Iñárritu. Ahí lo dejo.

NOTA: Demasiado larga. No tiene sentido tanto metraje… le pongo un 5.

10 NOMINACIONES:
Mejor Película
Mejor Director (Martin Scorsese)
Mejor Actriz (Lily Gladstone)
Mejor Actor Secundario (Robert De Niro)
Mejor Fotografía (Rodrigo Prieto)
Mejor Montaje (Thelma Schoonmaker)
Mejor Diseño de Producción (Jack Fisk y Adam Willis)
Mejor Vestuario (Jacqueline West)
Mejor Banda Sonora (Robbie Robertson)
Mejor Canción (Scott George) por «Wahzhazhe (A Song for My People)«

Los que se quedan

Director: Alexander Payne
Guion: David Hemingson
Intérpretes: Paul Giamatti, Da’Vine Joy Randolph y Dominic Sessa

Sinopsis:
La historia de Paul Hunham, un solitario profesor de historia de un instituto de Massachusetts. Sin familia ni amigos, Paul tendrá que vigilar a los alumnos que no han vuelto a casa en las vacaciones navideñas y tendrá que empatizar y abrir sus inseguridades con uno de ellos y con la cocinera.

MI CRÍTICA:
            Película de las que me encantan, de las que no sabes diferenciar si es un drama o es una comedia. Esta, como muchos de los títulos de la filmografía de Alexander Payne, tiene las dosis justas de las dos cosas para hacer una proyección entretenida, pero que te enseña algunas cosas (o valores) que no debes olvidar en tu vida. A mí me gustaron sus películas anteriores, y que recomiendo: “A propósito de Schmith” (2002) con Jack Nicholson, “Entre copas” (2004) en la que también contaba con Paul Giamatti o “Los descendientes” (2011) con George Clooney.

            De hecho, Payne y Giamatti se encuentran 20 años después en una comedia que se me antoja escrita para el actor. Es que encaja como guante a medida. No me extraña esa nominación al Óscar. Ya estuvo nominado al mejor actor de reparto por “Cinderella Man. El hombre que no se dejó tumbar” (Ron Howard, 2005) que ganó George Clooney por “Syriana”. Este año la nominación está abierta. Parte como favorito Cillian Murphy por su papel de J.Robert Oppenheimer, pero a mí me parece que puede haber sorpresas esa noche y ésta, puede ser una de ellas.

            La historia, como un cuento de Navidad, narra la relación entre unos perdedores en la vida. Básico para escribir un drama. Un profesor cascarrabias maltratado por el pasado y las relaciones con las mujeres, un alumno a los que su madre ha sustituido por un amante y no lo quiere llevar a unas vacaciones y una cocinera que acaba de perder a un hijo en la guerra es el cultivo idóneo para tener tres personajes al límite. La misión del guión y la dirección es convertir ese drama en una película de relaciones, de aprendizajes, y de comprender que tolerar a los demás nos hace más libres a nosotros mismos.

            Dotar a este drama, de secuencias y diálogos graciosos la humaniza. Ahí, bordado todo. El “pero” que le pongo es el exceso de previsibilidad. Al ser una comedia navideña está hecha para público que no quiera pensar mucho. Pero la maestría de comenzar con unos personajes tópicos, muy encapsulados, e ir descubriendo poco a poco su verdadero “yo” interior y, sobre todo, sus miedos, las inseguridades y las razones para ser tan insociales, es el logro de esta película.

            A parte de la interpretación de Giamatti, está nominada a la mejor actriz de reparto la cocinera Da’Vine Joy Randolph. Buen papel, pero hay mucha competencia en ese apartado de los Oscars, se me antoja que el que más. Pocas posibilidades. Y, lo que si me encanta de este guion son los diálogos. Cínicos, con peso específico porque el lenguaje que emplean es el que define a los personajes. Con un profesor, citando a los clásicos constantemente, entendemos su amor por la historia; pero como lo emplea en cada secuencia para dar veracidad a sus argumentos, hace que se convierta en humor ridículo dentro de un drama. Brillante. Y la ambientación setentera, me encantó también.

            En resumen, una película de tres personajes que necesitan ser escuchados y que por azares (un poco forzados en el guion, para mi gusto), hace que tengan que pasar unas navidades encerrados y solos en un colegio. No les queda más remedio que escucharse unos a otros hasta que empiezan a comprender que su drama no es el único en el mundo, que otra gente también sufre y si quieres ser ayudado, tienes obligación de ayudar tú a los demás y, para eso… primero tienes que entenderlos.

NOTA: Una película navideña de perdedores que necesitan ser escuchados… le pongo un 8

5 NOMINACIONES:
Mejor Película
Mejor Guion Original (David Hemingson)
Mejor Actor (Paul Giamatti)
Mejor Actriz Secundaria (Da’Vine Joy Randolph)
Mejor Montaje (Kevin Tent)

Maestro

Director: Bradley Cooper
Guion: Bradley Cooper y Josh Singer
Intérpretes: Carey Mulligan, Bradley Cooper y Matt Bomer

Sinopsis:
Sigue la compleja historia de amor de Leonard Bernstein y Felicia Montealegre; desde el momento en que se conocieron en 1946 en una fiesta, pasando por dos compromisos, un matrimonio de 25 años y tres hijos.

MI CRÍTICA:

            La historia nos narra los conflictos interiores de la pareja formada por el genio de la música norteamericana Leonard Bernstein y su esposa, la actriz Felicia Montealegre. La doble vida del brillante concertista sobrevuela toda la película. Es más, comenzando hablando de su homosexualidad, le da más controversia a su enamoramiento y posterior vida de pareja de la que salieron tres hijas. Claro está, en aquella época había que mantener las apariencias. No es como ahora en que hay una libertad sexual bastante conseguida. La película no me encantó. Y, entretenerme, lo que es entretenerme, sólo a ratos. Quizás, volar en demasiado en círculos sobre esa forma de ocultar su vida homosexual es demasiado redundante a la película y le resta ritmo narrativo.

            El ritmo visual y sonoro es otra de las cosas que me desconcertó. Por un lado, la película intenta tomar un ritmo acelerado con los diálogos. A veces, me molestaba que se pisaran tanto las frases unos actores a los otros. Nadie tiene conversaciones así. Está claro que el Bradley Cooper, director, que quería crear un efecto. Pero, en contraposición, estaban esos planos largos, tediosos, abiertos y sin información que ralentizaban ese ritmo. ¿La razón? Pues a mí solo se me ocurre que quería jugar con los dos Bernstein, el artista y el ser humano, tan diferentes uno del otro.

            En este aspecto, entiendo al personaje. Yo llevo una vida artística que lucha frontal con mi vida social. Le dedico mucho a la salida con amigos y va en contra del tiempo que necesito para crear. La diferencia es que él le atormentaba por dentro. Eso sí, los dos hemos decidido crear a nuestro ritmo, sin ataduras. La película tiene dos tramas centrales: el conflicto sobre la sexualidad del músico y cómo afectaba a su relación de pareja y, por otro lado, el ahogo emocional de un personaje que sabía que tenía un don para crear, pero tenía más ganas de disfrutar de sus devaneos amorosos. El problema de lo intrascendente que me ha parecido la película es que no profundiza en ninguno de los dos. Se queda con mensajes superficiales, repitiéndolos durante toda la película y endulzándolos y restándoles dramatismo. Hay un plano, que para mí es el más dramático de la película, en el que el matrimonio discute y está tomado desde un Plano General Corto de la habitación y con la actriz de espalda a la cámara. Quizás su mejor plano de la película y no le vemos la cara. Lo siento, Sr. Cooper, no entendí que es lo que pretendió. Esos planos tan largos los veo como un error y como una forma de ser original y parecer un director “novedoso”. Los experimentos, con agua.

            El Bradley, como director, no me ha encantado. Como actor, discreto. No hay conversión del personaje, es siempre el mismo. Además, esa tensión que demuestra en todas las secuencias le resta contraste. Quizás me destacó un poco más Carey Mulligan en el papel de Felicia, la actriz costarricense madre de los hijos del músico. Tercera nominación. Las dos anteriores a la mejor actriz secundaria por “An education” (2009, Lone Scherfig) y “Una joven prometedora” (2020, Emerald Fennell). Pese a ser lo mejor de la película, no la veo firme candidata por el mismo problema de lo que adolece la película en sí: la falta de tensión en muchos de los momentos que arrastra a los propios personajes.

            Las otras nominaciones son: a la mejor fotografía, sonido, y maquillaje y vestuario. La fotografía, con partes en color y partes en blanco y negro dependiendo de si es la actualidad o la parte contada, está bien cuidada. Bien trabajados los planos en los que hacen transiciones temporales en los que le quieren dotar de un recurso artístico que no viene a cuento, pero son bonitos. No sé si eso le baste para el Óscar. El sonido, espectacular. La música de Bernstein suena y sobrecoge, pero tampoco sé si para un Óscar. Y el maquillaje y vestuario lo veo un poco más factible. Transformar a Cooper les puede valer la estatuilla. No he visto las películas con las que compite (entre ellas nuestra “La sociedad de la nieve” (2023, J.A. Bayona); pero, si se lo dan, me vale.         

NOTA: Un «intento» de sinfonía que me desentona a ratos… le pongo un 5.

7 NOMINACIONES:
Mejor Película
Mejor Guion Original (Bradley Cooper y Josh Singer)
Mejor Actor (Bradley Cooper)
Mejor Actriz (Carey Mulligan)
Mejor Fotografía (Matthew Libatique)
Mejor Sonido (Steven Morrow, Richard King, Jason Ruder, Tom Ozanich y Dean A. Zupancic)
Mejor Maquillaje y Vestuario (Kazu Hiro, Kay Georgiou y Lori McCoy-Bell)

Oppenheimer

Director: Christopher Nolan
Guion: Christopher Nolan, Kai Bird y Martin Sherwin
Intérpretes: Cillian Murphy, Emily Blunt, Robert Downey Jr. y Matt Damon

Sinopsis:
          La historia del científico J. Robert Oppenheimer y su rol en el desarrollo de la bomba atómica. Nos cuenta la historia del proyecto “Manhattan” en el que el gobierno de estados unidos quiso crear el arma más mortífera jamás creada antes de que los alemanes consiguieran hacerlo. Era una carrera que sometió al científico a presiones y a convivir en un desierto junto a un elenco de ayudantes para desarrollar los cálculos matemáticos y el prototipo de un arma de destrucción tan masiva que, después de su uso, lleve al personaje a cuestionarse el papel en que quedará su nombre en la historia y el uso futuro que se le dará a su trabajo. Consciente de que puede haber sido el que ha dado el primer paso para la desaparición de la vida en este planeta.

MI CRÍTICA:

            Nolan es una de mis debilidades. Veré todas sus películas hasta que empiece a chochear, me imagino. Ya les aviso que esta no es de las mejores. Aprovecho para recomendarles obras que he revisto y reveré más veces: “Memento” (2000), “Origen” (2010), “Interestellar” (2014) o “Tenet” (2020). Quizás esta película sea un encargo más que una película personal, pero lo cierto es que no le veo el experto estilo de sus películas en la forma de contarla. Eso sí, los planos impecables, sin duda.

            No he visto todas las películas nominadas (por ahora llevo 5) y si nos dejamos llevar por las corrientes y por los Globos de Oro, es la firme candidata a ser la gran triunfadora en la noche de los Oscars. A mí, como otras que he visto en estas fechas, me parece alargada. Le sobran secuencias y la dotaría de un poco más de ritmo, cosa que no me pasa con otras películas de Nolan mucho más densas que estas. Aquí hay un exceso de diálogos que no aportan nada y no se profundiza en los contextos históricos que nos aclararían algunas de las decisiones de los personajes. Es como si, desde el guion, creyeran que ya sabemos la historia y se centraron en los detalles sin ponerlos en el entorno adecuado.

            La película se quiere centrar más en el juicio que se le hace más que en las consecuencias en sí. Es como si, la gente que lo está juzgando fueran él mismo. Como si él fuera el imputado y el verdugo a la vez. Ese arrepentimiento que sufre al ver la destrucción generada es el eje central de la parte final de la película y, el motivo de todas las secuencias anteriores, es llegar a ese final. Para mí, me parece que tiene muchas partes recortables. Demasiada prioridad a sus devaneos amorosos que creo que deberían haber sido una pincelada y haberle cedido más espacio a la guerra. Pero claro, cada uno dirigiríamos una película diferente si nos dejaran.

            Lo que más me destaca la película es el impecable casting. Después de trabajar de secundario en muchas de las películas de Nolan, Cillian Murphy fue una apuesta del director contra la idea del estudio. Aquí es un acierto. Me gustan esos aires de seguridad contra los del miedo. Lo borda. El peso de la película recae en sus espaldas y fluye hasta el punto que le puede valer el Óscar. Uno de mis preferidos puede salir, también, esa noche con estatuilla. Robert Downey Jr. está soberbio. Los papeles de malo, cínico y calculador se le dan. Tercera nominación. ¿Ya le toca? Se lo deben por “Chaplin” (1992, Richard Attenborough). Y, aunque el papel de Emily Blunt está acorde a todo este elenco tan bien dirigido, la competencia por el Óscar a la actriz secundaria se me antoja el más reñido de todos. Valorar también la interpretación del, siempre correcto, Matt Damon y de los cameos que se sacó Nolan de la manga: Kenneth Branagh, Rami Malek, Gary Oldman o Matthew Modine. Ahí es nada.

            En los apartados técnicos, sobre todo en fotografía, sonido y montaje se me antoja la gran favorita. Al fin y al cabo, se la recomiendo. Es un buen ejercicio para aprender historia, y de los conceptos éticos de jugar a ser dioses.

NOTA: Buena fotografía, buenos actores, pero al guion le falta mucha tijera… le pongo un 8.

13 NOMINACIONES:
Mejor Película
Mejor Director (Christopher Nolan)
Mejor Guion Adaptado (Christopher Nolan)
Mejor Actor (Cillian Murphy)
Mejor Actor Secundario (Robert Downey Jr.)
Mejor Actriz Secuandaria (Emily Blunt)
Mejor Director de Fotografía (Hoyte Van Hoytema)
Mejor Banda Sonora (Ludwig Göransson)
Mejor Sonido (Willie D. Burton, Richard King, Gary A. Rizzo y Kevin O’Connell)
Mejor Montaje (Jennifer Lame)
Mejor Diseño de Producción (Ruth De Jong y Claire Kaufman)
Mejor Vestuario (Ellen Mirojnick)
Mejor Maquillaje y Peluquería (Luisa Abel)

Pobres Criaturas

Directora: Yorgos Lanthimos
Guion:  Tony McNamara (basado en el el libro homínimo de Alasdair Gray)
Intérpretes: Emma Stone, Willem Dafoe y Mark Ruffalo

Sinopsis:
La increíble historia sobre la fantástica evolución de Bella Baxter, una joven devuelta a la vida por el brillante y poco ortodoxo científico el doctor Godwin Baxter.

MI CRÍTICA:

            Para hablar de esta película, es imprescindible hablar de su director, el griego Yorgos Lanthimos. Posee una visión de cine surrealista y aclamado por los críticos, tanto del Festival de Cannes, como de los Oscars. Lo que sí dudo un poco es el fervor popular, porque este cine es de minorías. Reconozco que es la primera película que veo de él y no me he quedado indiferente. No me ha gustado, pero porque nunca he sabido valorar el absurdo. No es mi cine. Lo que no quiere decir que usted no se adapte a ella. Para gustos, los colores.

            En principio, lo que he visto es una versión modernizada e irreverente del clásico de Mary Shelley: Frankestein. El Doctor Baxter, impecablemente encarnado por uno de mis preferidos Willem Dafoe, extrae el cerebro de un bebe en la barriga de su madre para insertárselo a ella que acaba de morir. Como ven, la película empieza con un planteamiento absurdo. Pues de ahí hacia arriba hasta convertirse en un cúmulo de estridencias que, a mí, hay ratos en que me parece ridículo.

            Siempre he dicho que en el absurdo nos podemos mover todos. Es más fácil crear una historia y hacerla todo lo rara que podamos, que hacer un guion en el que consigamos emocionar recreando la realidad. Esta película no la vería otra vez, pero visualmente engancha hasta el punto de que me va a apetecer ver alguna película más de este director. Como les dije, algo inquieta. Además, debemos destacar las interpretaciones del elenco que encabeza Emma Stone. Su personaje, partiendo de un cerebro insertado, puro y vacío, va creciendo en conocimientos sin filtros, eso la va convirtiendo en un problema a todos los que la rodean cuando el sexo se convierte en una de sus diversiones preferidas.

            Aun así, hay cosas que no me las creo, pero que, como estamos hablando de una historia absurda, te las tienes que chupar. La forma en la que todos los personajes se enamoran de ella, para mi gusto no está lo suficientemente justificado, menos en las ganas del guionista en que las cosas pasaran así. Fácil trabajar de esa manera. Lo que no sea creíble, que se lo crean porque esto es una película onírica. Ah, pues vale.

            Con 11 nominaciones, supera las 10 que la anterior película de Lanthimos “La favorita”. En aquella ocasión, Emma Stone ya pudo disfrutar, como en este caso, de la nominación al Óscar. Aquí, de verdad no veo que haya hecho nada especial. Pero a Hollywood le gusta este tipo de personajes extraños y pueden valorarle las escenas de desnudo y sexo “casi” explícito. La estatuilla que sí puede ganar es la de la fotografía y el montaje. En esta película, casi todos los planos son cuadros en la pared. Una obra muy meditada y trabajada hasta el extremo. Y cuarta nominación a otros de mis top-ten de actores de Hollywood, Mark Ruffalo. Un secundario de lujo. No recuerdo una película de él que no me haya gustado. Aquí está extremadamente exagerado en algunas secuencias, pero es que toda la película es exagerada de por sí. Ahora les digo, lo que no le podemos negar es que transmite, a la perfección, siempre, las motivaciones de sus personajes.

            Resumo en que, si quiere verla, que sepa que va a ver una cosa rara. A partir de ahí, es su responsabilidad.


NOTA: Una película absurda, que, a ratos, roza la ridiculez… le pongo un 6.

11 NOMINACIONES:
Mejor Película
Mejor Director (Yorgos Lanthimos)
Mejor Guion Adaptado (Tony McNamara)
Mejor Actriz (Emma Stone)
Mejor Actor Secundario (Mark Ruffalo)
Mejor Director de Fotografía (Robbie Ryan)
Mejor Banda Sonora (Jerskin Fendrix)
Mejor Montaje (Yorgos Mavropsaridis)
Mejor Diseño de Producción (James Price, Shona Heath y Zsuzsa Mihalek)
Mejor Vestuario (Holly Waddington)
Mejor Maquillaje y Peluquería (Nadia Stacey, Mark Coulier y Josh Weston)

Vidas pasadas

Directora: Celine Song
Guion: Celine Song
Intérpretes: Greta Lee, Teo Yoo y John Magaro

Sinopsis:
Nora y Hae Sung, dos amigos de la infancia profundamente unidos, son separados después de que la familia de Nora emigrara de Corea del Sur. Veinte años después, se reúnen durante una fatídica semana para enfrentarse al amor y al destino.

MI CRÍTICA:
            Parece que, últimamente, tiene que haber una película oriental de corte coreano en la entrega de los Oscars. Será que está de moda o que hay algunos intereses que debería investigar para hacer un artículo. Lo cierto es que desde que “Parásitos” (Bong Joon Ho, 2019) ganara la preciada estatuilla en 2020, no ha habido año en los que no hubiera habido una candidata oriental al galardón final. Les recuerdo: En 2021, “Minari. Historia de mi familia” (Lee Isaac Chung, 2020); en 2022, “Drive my car” (Ryûsuke Hamaguchi, 2021) y, el año pasado, mi odiada “Todo a la vez en todas partes” (Daniel Kwan y Daniel Scheinert, 2022). A mí, la verdad, salvo “Parásitos” que me sorprendió mucho, tanto en la historia como en la realización, las demás me han parecido unas películas entretenidas sin más. Menos la que ganó el año pasado, que me pasó como a todos los amigos con los que comenté la cinta: “no la entendí” y fui de los pocos que la vio hasta el final.

            “Vidas pasadas” no va a trascender a la historia del cine, ni de lejos. Acabará engrosando las estadísticas de cine oriental que llega a los Oscars y poco más. Con ello no quiero decir que sea una mala película, pero tampoco es para tirar voladores. La trama es simple. La sinopsis que pongo arriba, más que dar una pincelada, cuenta toda la película. Demasiado simple. Las candidaturas a las que opta son, a la Mejor Película y al Mejor Guion. No la veo ganando ninguno de las dos. Es más, me atrevería a decir que la virtud principal que le veo, es la cuidada fotografía con planos sacados del aprendizaje de ver muchas películas de Kubrick. Pero el guion, no llega, ni de lejos, a las historias de mi admirado, el genial y malogrado director Kim Ki-duk, por poner un ejemplo de director contemporáneo.

            Aun así, la película entretiene. La trama cuenta la historia de los amores de juventud y la repercusión que tienen en nuestro futuro. Y, creo, que esa experiencia la hemos vivido todos. Así que es fácil que nos identifiquemos con las acciones y, sobre todo, con las emociones de los personajes. Toda la película en su conjunto es correcta, bien hecha. Los intérpretes saben transmitir las sensaciones adecuadamente, el ritmo y los planos nos llevan por un mundo que parece idílico y, les diré que no se me ha hecho larga como me ha pasado con otras candidatas al premio de este año. Creo que nos presentan un drama desde el punto de vista del “no es para tanto”. Muchas veces le damos más importancia a las cosas de las que tienen. Este film transmite ese mensaje. Para unos la vida son pasajes de los que ir aprendiendo y para otros son dramas en los que estancarse.

            Lo que si quiero destacar, y creo que le seguiré la pista, es a su directora y guionista: Celine Song. ¿Qué esta es su primera película y ya está nominada al Óscar? Una de una. Envidiable. Intentaré ver su próxima película en fase de pre-producción “Materialist” con Dakota Johnson y el chileno Pedro Pascal. Me parece que ha hecho un trabajo mucho más que emotivamente aceptable. Me gustan las películas así, que me hagan sentir y esta lo hace. Lo dicho, si tienen ganas de entretenerse un rato y de rememorar viejos amores, esta es su película. Y, si deciden no verla, tampoco su vida va a cambiar en nada.

VALORACIÓN: Película correcta, entretenida si no le pides más… le pongo un 7.

NOTA: Película correcta, entretenida si no le pides más… le pongo un 7.

2 NOMINACIONES:
Mejor Película
Mejor Guion Original (Celine Song)

TODAS LAS NOMINACIONES Y PREMIOS

MEJOR PELÍCULA
– ‘American Fiction’
– ‘Anatomía de una caída’
– ‘Barbie’
– ‘Los que se quedan’
– ‘Los asesinos de la luna’
– ‘Maestro’
– ‘Oppenheimer’
– ‘Vidas pasadas’
– ‘Pobres criaturas’
– ‘La zona de interés’

MEJOR DIRECCIÓN
– Justine Triet, por ‘Anatomía de una caída’
– Martin Scorsese, por ‘Los asesinos de la luna’
– Yorgos Lanthimos, por ‘Pobres criaturas’
– Christopher Nolan, por ‘Oppenheimer’
– Jonathan Glazer, por ‘La zona de interés’

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL
– Lily Gladstone, por ‘Los asesinos de la luna’
– Carey Mulligan, por ‘Maestro’
– Sandra Hüller, por ‘Anatomía de una caída’
– Annette Bening, por ‘Nyad’
– Emma Stone, por ‘Pobres criaturas’

MEJOR ACTOR PRINCIPAL
– Bradley Cooper, por ‘Maestro’
– Colman Domingo, por ‘Rustin’
– Paul Giamatti, por ‘Los que se quedan’
– Cillian Murphy, por ‘Oppenheimer’
– Jeffrey Wright, por ‘American Fiction’

MEJOR ACTOR DE REPARTO
– Sterling K. Brown, por ‘American Fiction’
– Robert De Niro, por ‘Los asesinos de la luna’
– Robert Downey Jr., por ‘Oppenheimer’
– Ryan Gosling, por ‘Barbie’
– Mark Ruffalo, por ‘Pobres criaturas’

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
– Emily Blunt, por ‘Oppenheimer’
– Da’Vine Joy Randolph, por ‘Los que se quedan’
– Danielle Brooks, por ‘El color púrpura’
– Jodie Foster, por ‘Nyad’
– America Ferrera, por ‘Barbie’

MEJOR GUION ORIGINAL
– Arthur Harari y Justine Triet, por ‘Anatomía de una caída’
– David Hemingson, por ‘Los que se quedan’
– Samy Burch, por ‘Secretos de un escándalo’
– Celine Song, por ‘Vidas pasadas’
– Josh Singer y Bradley Cooper, por ‘Maestro’

MEJOR GUION ADAPTADO
– Cord Jefferson, por ‘American Fiction’
– Greta Gerwig y Noah Baumbach, por ‘Barbie’
– Christopher Nolan, por ‘Oppenheimer’
– Tony McNamara, por ‘Pobres criaturas’
– Jonathan Glazer, por ‘La zona de interés’

MEJOR PELÍCULA INTERNACIONAL
– Reino Unido, ‘La zona de interés’
– Japón, ‘Perfect Days’
– España, ‘La sociedad de la nieve’
– Italia, ‘Yo capitán’
– Alemania, ‘Sala de profesores’

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
– ‘Bobi Wine: The People’s President’ (Moses Bwayo, Christopher Sharp)
– ‘La memoria infinita’ (La memoria infinita)
– ‘Four Daughters’ (Kaouther Ben Hania)
– ‘To Kill a Tiger’ (Nisha Pahuja)
– ’20 días en Mariúpol’ (Mstyslav Chernov)

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
– ‘El chico y la garza’
– ‘Elemental’
– ‘Nimona’
– ‘Robot Dreams’
– ‘Spider-Man: Cruzando el Multiverso’

MEJOR CORTOMETRAJE EN ACCIÓN REAL
– ‘The After’
– ‘Invincible’
– ‘Knight of Fortune’
– ‘Red, White and Blue’
– ‘The Wonderful Story of Henry Sugar’

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
– ‘Letter to a Pig’
– ‘Ninety-Five Senses’
– ‘Our Uniform’
– ‘Pachyderme’
– ‘War Is Over! Inspired by the Music of John & Yoko’

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
– ‘The Abcs of Book Banning’
– ‘The Barber of little rock’
– ‘Island in Between’
– ‘The Last Repair Shop’
– ‘Nai Nai & Wai Po’

MEJOR MONTAJE
– ‘Anatomía de una caída’
– ‘Los que se quedan’
– ‘Los asesinos de la luna’
– ‘Oppenheimer’
– ‘Pobres criaturas’

MEJOR FOTOGRAFÍA
– ‘El Conde’
– ‘Los asesinos de la luna’
– ‘Maestro’
– ‘Oppenheimer’
– ‘Pobres criaturas’

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
– ‘Barbie’
– ‘Los asesinos de la luna’
– ‘Napoleón’
– ‘Oppenheimer’
– ‘Pobres criaturas’

MEJOR VESTUARIO
– ‘Barbie’
– ‘Los asesinos de la luna’
– ‘Napoleón’
– ‘Oppenheimer’
– ‘Pobres criaturas’

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
– ‘Golda’
– ‘Maestro’
– ‘Oppenheimer’
– ‘Pobres criaturas’
– ‘La sociedad de la nieve’

MEJOR BANDA SONORA
– Laura Karpman por ‘American Fiction’
– John Williams por ‘Indiana Jones y el dial del destino’
– Robbie Robertson por ‘Los asesinos de la luna’
– Ludwig Göransson por ‘Oppenheimer’
– Jerskin Fendrix por ‘Pobres criaturas’

MEJOR SONIDO
– ‘Oppenheimer’
– ‘Maestro’
– ‘La zona de interés’
– ‘The Creator’
– ‘Misión imposible: Sentencia mortal – Parte 1’

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
– «It Never Went Away” de ‘American Symphony’
– “I’m Just Ken” de ‘Barbie’
– “What Was I Made For?” de ‘Barbie’
– “Wahzhazhe (A Song For My People)” de ‘Killers of the Flower Moon’
– “The Fire Inside” de ‘Flamin’ Hot: La historia de los Cheetos picantes’

MEJORES EFECTOS VISUALES
– ‘The Creator’ (Gareth Edwards)
– ‘Godzilla Minus One’ (Takashi Yamazaki)
– ‘Guardianes de la galaxia Vol. 3’ (James Gunn)
– ‘Misión imposible: Sentencia mortal – Parte 1’ (Christopher McQuarrie)
– ‘Napoleón’ (Ridley Scott)